FOTOGRAFÍA DE MODA

MANUEL OUTUMURO 

Nacido en Orense, España, el 9 de septiembre de 1949. Es un fotógrafo español. 

Se mudó a Barcelona de joven, donde se formó como diseñador gráfico. En esta ciudad ha residido toda su vida, aunque también vivió durante cuatro años en Nueva York. Fue en 1990 cuando inicia su actividad como fotógrafo. 

Ha trabajado para marcas como Vogue, Elle, Telva y principalmente Marie Claire. Ha fotografiado a numerosas figuras artísticas, principalmente de cine. 

Además, desde que comenzó con su carrera fotográfica ha realizado exposiciones alrededor del mundo y publicado libros donde recopila algunas de sus fotografías.

COMENTARIO DE LA IMAGEN (MANUEL OUTUMURO)  

Esta foto está compuesta en un formato horizontal. En ella podemos ver una mujer mirando detrás de un cristal. Probablemente se trate de un día lluvioso debido a que el cristal está lleno de pequeñas gotitas. En esta fotografía vemos un plano medio corto con una angulación normal.

El elemento más destacado de esta fotografía es, sin duda, la modelo. Esta se se encuentra en un sitio solitario y lúgubre. La mujer lleva el pelo recogido y viste con una especie de americana o de abrigo negro con grandes hombreras. Un extraño y gran collar plateado con una piedra enorme en el centro adorna su cuello.

Desde mi punto de vista Manuel Outumuro quería transmitir un ambiente futurista, de ahí la vestimenta y el lugar donde se encuentra. La ambientación no está del todo clara, podemos pensar que es una estación, una cabina, o incluso un laboratorio sismológico por la máquina que aparece a la izquierda.

En este caso el centro óptico y el geométrico coinciden. La fotografía cumple con la regla de los tercios puesto que la modelo se encuentra en la línea vertical derecha y las dos líneas horizontales coinciden con sus hombros y su cabeza.

A pesar de ser una imagen bastante oscura vemos que la presencia de un foco situado detrás de la modelo (por tanto es una iluminación artificial) le ilumina la parte derecha de su cuerpo creando claroscuro. En esta fotografía se usan colores fríos. Hay un color principal que es el azul (podemos verlo en varias tonalidades diferentes). También vemos la presencia del negro, algunos grises en el collar y un rosa tirando a rojo en los labios de la modelo que le da un contraste cálido-frío a la fotografía.

Para mi es una foto original. Me gusta la composición de la imagen. La sobreposición de elementos como lo son el cristal lleno de gotas, la chica, el entorno con la maquinaria... Me parece que hace que sea una fotografía compleja y curiosa.

Vemos iconicidad en cuanto al tema. 

En mi opinión el fotógrafo quiso plasmar la idea del futuro en un entorno actual. Vemos iconicidad desde el momento en el que la mujer está vestida con trajes poco comunes, ya que la idea del futuro siempre se interpreta con vestimentas extravagantes y pesadas. Además, la fotografía tiene gran similitud con la película Blade Runner, icono en el mundo del cine. 

Es una imagen polisémica en cuanto a su lectura y algo compleja por la sobreposición de elementos.

A mi personalmente esta fotografía me encanta. La modelo tiene mucha expresión facial y la presencia de colores fríos ayuda a crear un ambiente triste y lúgubre.   

En el rostro de la joven vemos una mirada triste, de desesperación. Parece como si algo malo estuviera ocurriendo al otro lado del cristal pero ella no pudiera hacer nada para impedirlo. En el tipo de ropa y de peinado, en la forma de la cara y del maquillaje vemos una gran similitud con una muñeca de porcelana, con su piel perfecta, su pelo perfecto y su ropa perfecta. Como connotación, en la imagen podría verse el patrón de mujer frágil y bonita, sin libertad apenas, con una vida encerrada y dirigida por un hombre.  Mi lectura ante esta fotografía es la relación con los robots creados para una función en específica en la película Blade Runner y el papel de la mujer, poniendo como punto común el ansia de libertad, tema por el cual se lucha cada día con la intención de conseguir la igualdad de la mujer. 

MARIO TESTINO 

Mario testino es un fotógrafo peruano 

Estudió Economía y Relaciones Internacionales. 

Tras esto se mudó a Londres, Inglaterra, donde comenzó a aprender sobre la fotografía. Su carrera en el mundo de la moda comenzó de manera humilde, vendiendo portafolios a aspirantes a modelo por la suma de 25 libras esterlinas, incluyendo maquillaje y peluqiería. 

Poco a poco se fue dando a conocer y ahora goza de un gran éxito y su trabajo es reconocido a nivel mundial por sus audaces fotografía de moda e imaginativas campañas publicitarias. 

La fotografía de Mario Testino aparece regularmente en publicaciones internacionales de moda como Vogue, Vanity Fair y V Magazine. También es el fotógrafo que está detras de alguna de las campañas grandes del mundo de algunos de los diseñadores de moda más famosos como Buberry, Calvin Klein, Dolce and Gabbana, Hugo Boss y muchos otros. 

Los críticos de moda también le responsabilizan de convertir al diseñador italiano Gucci en la marca que es hoy en día con su estilo de fotografía provocativo que utilizó en su publicidad a lo largo de la década de 1990. 

COMENTARIO DE LA IMAGEN (MARIO TESTINO) 

Esta imagen tiene un formato vertical. La modelo, que en este caso es Lana del Rey sale en primer plano. Esta lleva las uñas pintadas de rojo, una diadema con un lazo, varios anillos, una camisa rosa palo con lentejuelas en el cuello y una cadena de orno al cuello. 

La angulación de la fotografía es normal. 

Esta imagen no sigue la regla de los tercios, las lineas de fuerza e interés están en el centro (simetría facial) seguidas por la posición de la mano (diagonal). 

Esta foto, como se puede ver, tiene una composición bastante sencilla. El fondo es blanco, para darle más importancia a la modelo. La luz es frontal y además es artificial, seguramente esta foto se haya hecho en un estudio fotográfico. Los colores que predominan son los rosas, rojo. Colores claros en general. 

Desde mi punto de vista no es que sea una foto muy original, de hecho es bastante icónica. Es una foto monosémica, puesto que tampoco quiere transmitir ningún mensaje en general y, por tanto, no se pueden sacar muchas interpretaciones. Desde mi punto de vista la foto busca más lo estético que transmitir un mensaje. 

Es, a su vez, una fotografía simple.  

JAUME DE LAIGUANA 

Jaume de Laiguana es un diseñador gráfico, director artístico, productor musical y fotógrafo catalán. Es conocido por haber dirigido varios vídeos musicales de Shakira. También fue el director artístico de la gira mundial de Shakira en 2006-2007. 

Además de dirigir algunos vídeos de Shakira ha trabajado con otros artistas como Alejandro Sanz y Miguel Bosé. 

Gran parte de la obra de Jaume de Laiguana tiene su origen en la publicidad , pero consigue vida propia. Una de sus principales facultades es convertir los trabajos por en cargo en trabajos de autor, enfocándolos desde su propio y particular punto de vista. Su obra también incluye otros proyectos que reflejan problemáticas sociales y el principal objetivo es hacer reflexionar al espectador. La virtud del defecto. La búsqueda incesante de la belleza en las imperfecciones, los accidentes o las casualidades. La provocación. El inconformismo. El trabajo y el aprendizaje constante. Este fotógrafo que no cree en la perfección sino en la belleza de lo imperfecto; lo que le hace preguntarse constantemente sobre la manera más perfecta de plasmar.

COMENTARIO DE LA IMAGEN (JAUME DE LAIGUANA) 

En esta foto de formato horizontal podemos ver tres bailarinas alzando la pierna en un plano general. A la espalda de cada una de las tres se encuentra una bañera. La angulación de esta fotografía es normal tendiendo ligeramente a ser una fotografía contrapicada. Es una imagen bastante simétrica y, a su vez, sigue la regla de los tercios, puesto que la linea vertical derecha e izquierda coinciden con los cuerpos de dos de las bailarinas. Las lineas horizontales coinciden el comienzo del pecho y los pies de las mujeres. El centro óptico y el centro geométrico coinciden centrándonos más en la segunda bailarina. 

La luz parece bastante natural aunque tiene pintas, por el espacio donde se encuentran que son luces provenientes de focos, por tanto, luz artificial. La luz viene de la derecha. En general la imagen tiene tonos cálidos, como los son el marrón, el ocre, el blanco roto y colores tirando más a tonos verdosos. Me gusta que haya patrones que se repitan, como lo son las bailarinas junto con las bañeras y el mosaico del suelo. 

Me parece muy original esta fotografía. Es bastante abstracta en cuanto a composición y tema. Podemos interpretar que lo blanco de cada bañera (supongo que será jabón) constituye los tutús o faldas de las bailarinas. Es una fotografía bastante polisémica en cuanto a su lectura, ya que no deja nada claro sobre lo que quiere el fotógrafo Jaume de Laiguana transmitirnos realmente. Me parece una fotografía muy artística y muy bonita a la hora de observarla. Transmiten delicadeza y armonía. 

Es una fotografía con una composición bastante compleja. El ángulo desde el cuál está tomada es engañosa ya que, si no fuera por los mantos que están dispersos por la foto podríamos pensar que está hecha de frente (por lo que las bañeras tendrían que estar contra la pared).  

Me parece curiosa la perfecta postura de las modelos y cómo sus cuerpos están mitad en sombra y mitad en luz. 

Las miradas de las modelos expresan valentía y dedicación. Sus miradas son desafiantes, sobre todo la del medio. 

Está muy bien cuidado cada elemento compositivo de la fotografía. Un detalle que me parece curioso y le da un toque misterioso es la presencia de agua saliendo a presión en diversas partes de la imagen.  

EUGENIO RECUENCO 

Eugenio Recuenco es un fotógrafo madrileño que trabaja principalmente en los campos de la edición y la publicidad. Comparado con otros, su estilo personal ha sido referido como "cinematográfico" y "pictórico". Crea mundos fantasiosos, escenarios propios de un cuento de hadas cuidados hasta el más mínimo detalle, muy distinto al estilo de la fotografía comercial. Sus obras se caracterizan por el uso de colores apastelados o por la utilización de colores intensos para llamar la atencion de ciertos elementos. 

Sus trabajos han aparecido en revistas de moda como Vogue, Madame Figaro, Twill.

Adrmás sus fotografías han sido expuestas en el museo Reina Sofía de Madrid en el Festival internacional de arte contemporáneo de Barcelona y en el Festival de edición de Madrid (entre otros lugares) 

COMENTARIO DE LA IMAGEN (EUGENIO RECUENCO) 

Esta fotografía tiene un formato vertical. Su angulación es normal. En ella vemos una niña con un gesto un tanto triste sujetando con su mano derecha un calendario que está por la página 1 de noviembre. Con su mano izquierda sujeta un hilo que mantiene una gigante piedra como si fuera un globo. 

La niña viste con una ropa que no es la de nuestra época: lleva su larga cabellera recogida en dos coletas, un vestido con tablas en la parte de abajo, calcetines altos con un estampado de rombos y unos zapatos de cordón. Esta imagen cumple la regla de los tercios estando la niña en la vertical izquierda y la piedra en la vertical derecha. Las lineas de fuerza son tanto la niña como la piedra. 

El centro óptico de esta imagen es también la piedra, la cual, además, está iluminada por la luz que proviene de una ventana que hay justo en frente de ella. A mi entender se trata de una luz artificial. Seguramente la foto ni esté hecha en una habitación, sino que se encuentran un escenario montado en un estudio. 

A la niña, la luz también le viene de lado, en este caso, le ilumina de forma tenue y difuminada la parte derecha del cuerpo, creándole una sombra que se proyecta en la pared que tiene a sus espaldas. Los colores predominantes de esta imagen son los ocres, los marrones, los sepias... Colores tierra cálidos pero tristes. 

Desde luego me parece una foto preciosa y delicada, bastante original y creativa. 

A pesar de no tener casi elementos compositivos se ve gran complejidad en su composición. 

Según mi criterio es una fotografía abstracta con un tema que da a pensar bastante. 

En mi opinión el tema es el paso del tiempo, por eso usa los sepias y un vestuario antiguo. Además utiliza la figura de una niña como muestra de inocencia y de juventud, pero, con un calendario en la mano y una expresión triste, dando a entender que desde pequeños nos preocupa el paso del tiempo, justo lo contrario de lo que se suele preocupar un niño. La piedra representa la muerte y al enfocarla con la luz nos hace ver la importancia que le damos y lo presente que está en nuestro día a día. 

Me gusta en especial que hayan colocado la piedra de tal manera que parezca que levita, dándole movimiento y vida a la imagen. 

Desde luego la lectura que yo tengo sobre esta imagen será totalmente diferente a la de otra persona, porque, como ya he dicho, admite múltiples lecturas. 

Seguramente su verdadero mensaje es la de la representación de la escena de un cuento, ya que es muy típico de este fotógrafo recrear cuentos de fantasía, pero yo desconozco a cual se refiere y mi interpretación ha sido la mencionada anteriormente. 

Sin duda, junto con la anterior imagen de Jaume Laiguana, es de las fotos que más me han gustado.